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M A R K R Y D E N
Escucha música mientras te adentras en el mundo de Mark Ryden
Entrevista de JUAN-DARIO GOMEZ
con motivo de la exposición " The Gay 90s "
en la galería Kohn.
Mark Ryden, en muchos de tus cuadros la carne ocupa un lugar imprescindible y siempre bajo contextos bien puntuales y precisos. ¿Por qué te interesa tanto crear situaciones e historias en torno a la carne?
Por una sola y simple razón… Nosotros somos espíritus y la “Carne” es lo único que nos permite existir físicamente aquí en este mundo. Consumimos “carne” como alimento, sin pensar jamás en el animal del que esta misma procede.
Siempre me ha parecido curioso el hecho de que antes de comerla damos las gracias a Dios y no al animal que dio su vida para transformarse en nuestro alimento.
Creo que hay una desconexión total entre la carne como alimento y la carne como vida. Y supongo que es esta misma contradicción la que me lleva a pintarla reiteradas veces.
Suelo sorprender a muchas personas cuando digo que no soy vegetariano…
¿Te parece moralmente malo comer carne?
En absoluto ! Lo que yo hago personalmente es tratar de mantenerme al tanto de lo que estoy comiendo y de su procedencia.
Sólo compro carne allí donde se respeta la conservación del medio y del entorno natural, con la sola esperanza de que el animal al que estoy comiendo haya tenido una vida feliz.
Que quede claro que no trato de predicar ninguna postura moral en mi trabajo. Sólo creo que fuéramos más conscientes de nuestra interconexión con el mundo natural que nos rodea, todos seríamos mucho más felices.
Uno de los personajes que se repiten reiteradas veces en tus pinturas es Abraham Lincoln. ¿Por qué es tan importante su presencia en tu obra?
Porque hay algo indefinible y fascinante en la leyenda de Abraham Lincoln. Si hubieras nacido y crecido en los Estados Unidos, hubieras estado expuesto a la imagen de Lincoln desde muy temprano. Y hay algo muy especial en ellas. Por ejemplo, cuando comparas las imágenes de Lincoln con la de Jorge Washington, nuestro primer presidente y padre de nuestro país, te darías cuenta que estas no generan ningún tipo de sentimiento. Personalmente creo que esto sucede porque Lincoln fue la primer celebridad en ser fotografiada. Y en aquellas fotos se puede percibir algo único y asombroso en su rostro.
Para muchos Lincoln es algo mucho más importante que un presidente de los Estados Unidos. Llegó a convertirse en una figura canonizada por el pueblo y muchos de nosotros crecimos rindiendo culto a sus retratos. Lincoln fue un mártir de nuestro pecado de esclavitud y esto lo transformó en un santo de nuestros tiempos.
¿Los rostros que pintas tienen muchas similitudes físicas entre sí. ¿Tienes un modelo en fijo en mente? ¿Alguien en particular que te inspira estos personajes?
No, los rostros en mis pinturas no representan ningún individuo en particular. Para mi sólo son figuras que vienen directo del alma. Personalmente creo que el alma es de naturaleza femenina y por alguna razón la imagino siempre con ojos grandes ! Es una característica juvenil que despierta instintos protectores.
Hay mucha ternura detrás los ojos grandes y la ternura es una cualidad que permite evolucionar mis sentimientos y mi trabajo.
Generalmente los niños quedan asombrados o maravillados cuando descubren tu trabajo. ¿Cómo reaccionas ante tal situación?
Si bien mi trabajo no se dirige a los niños, encuentro muy gratificante el hecho de que un niño quede maravillado por uno de mis cuadros. Personalmente creo que cuando una obra de arte se conecta, con el alma de un niño, se genera algo muy especial, algo divino.
Una de mis citas favoritas de Pablo Picasso es “Todos los niños nacen artistas. El problema es cómo seguir siendo artistas al crecer.” Creo que esto es algo muy cierto, porque los niños son mucho más imaginativos que los adultos a la hora de crear. Ellos no están inhibidos por su imaginación y tampoco cuestionan lo que están creando. Los niños no tienen que definir o justificar su “arte”. Ellos poseen una conexión directa con la creatividad, sin embargo los adultos estamos siempre filtrados y empantanados por la suciedad mental.
Lamentablemente la capacidad de asombro, en la sociedad actual, se ha reducido y limitado al mundo de la infancia. Sin tener en cuenta que a diferencia de los adultos, los niños reaccionan ante al arte de una forma instintiva, sin intelectualizar.
Es cierto que generalmente los niños responden muy bien a mi arte y cuando esto sucede me siento un artista realizado porque sé que mi trabajo tendrá éxito.
A lo largo de tu carrera has colaborado también ilustrando las portadas de álbum para artistas como Ringo Starr, Red Hot Chili Peppers y 4 Non Blondes. Pero una de las más célebres es la portada que has creado para el álbum «Dangerous» de Michael Jackson. ¿Como nace esta colaboración? ¿Has trabajado con libertad absoluta o bajo estrictas sugerencias por parte de M. Jackson? Tengo entendido que él ha estado muy presente durante todo el proceso de creación…
Ohhh, no te imaginas las historias que podría contarte sobre mi colaboración con Michael. Por desgracia no estoy “oficialmente” autorizado para entrar en detalles y revelar todas las anécdotas que surgieron durante y después de la creación de la portada de «Dangerous». Lo único que te puedo decir es que me siento muy afortunado de haber conocido y trabajado con una de las personas con más relevancia de nuestros tiempos. Lamentablemente la gente idiota y estrecha de mente lo recuerdan como a un pervertido. Creo que Michael fué solo una víctima mas de los parásitos oportunistas del show Business.
En muchas de tus pinturas representas la figura de Jesucristo en un entorno o en situaciones muy diferentes a la visión que mucha gente tiene de él. ¿Has tenido alguna vez problemas con grupos conservadores o religiosos a causa de estos trabajos?
He tenido ecos de ciertos grupos fanáticos y conservadores pero afortunadamente nunca han llegado a ir muy lejos. Por el momento mis obras nunca han sido atacadas o prohibidas a causa de su contenido.
Creo en la libertad de expresión y estoy abierto a todo tipo de críticas con respecto a mi trabajo pero jamás aceptaré que éste sea censurado.
La nostalgia y la fantasía siempre fueron dos temáticas bastantes menospreciadas en el mundo del arte moderno.
¿Por qué crees que tanto el sentimentalismo como el culto a la belleza estética son factores intolerables en ciertos sectores del arte?
Esta es una excelente pregunta, y tal vez sea la gran pregunta! Desde luego no tengo una respuesta, pero en todo caso esto es lo que trato de reivindicar en mis pinturas! Con ello solo intento romper barreras e ideologías absurdas que hacen del sentimentalismo o del Kitsch géneros indignos en diversas ramas artísticas.
¿Existe algo de lo que te arrepientas? ¿algo que siempre has querido hacer y nunca has podido concretar?
No, yo no creo en el arrepentimiento. Creo que todos nacemos con un destino a cumplir. Este destino puede estar lleno de retos y dificultades, pero todo lo que nos sucede en la vida esta predestinado. Y lo que no sucede nos sirve para que nuestras almas puedan evolucionar eternamente.
¿En que proyectos nuevos estas trabajando ahora mismo?
Tras haber promocionado, en Estados Unidos y luego en Europa, mi libro « Pinxit » publicado por las ediciones Taschen. Me he puesto a trabajar en algo completamente diferente a todo lo que he hecho anteriormente. Estoy incorporando a mis obras dioramas con movimiento mecánico. Y esto formará parte de una nueva serie a la que he llamado «The Gay 90’s West». Llevo un año trabajando en ello y lo presentaré próximamente en una exposición unipersonal en la Michael Kohn Gallery.
Otro proyecto en el que estoy trabajando y que también formará parte de mi exposición es en la producción de un álbum en formato vinilo que recopilara las mejores canciones de los años 1890. Tengo amigos músicos como Tyler the Creator, Nick Cave, Everlast, Mark Mothersbaugh del grupo Devo, Kirk Hammett de Metallica y Weird Al Yankovic que formarán parte de este proyecto e interpretarán sus propias versiones de aquellas viejas canciones grabadas originalmente en 1890.
Entrevista: Juan-Darío Gomez
Entrevista de DINA GACHMAN
con motivo de la exposición
The Gay 90s: West
The Gay 90s: West, exposición en Kohn Gallery de Los Ángeles, es una continuación de "The Gay 90s : Olde Tyme Art Show, que tuvo lugar en Nueva York en 2010.
" The Gay '90s "es un término inventado en los años 20 que se refiere a la imagen utópica de la vida estadounidense en los años 1890 supuestamente más simples: una época al margen de las guerras mundiales, la crisis económica y el caos urbano. Sin un rastro de ironía, Ryden nunca ha rehuido explorar las nociones de nostalgia y kitsch, y su trabajo siempre insinúa algo mucho más profundo debajo de la superficie. Su arte es como un cuento de hadas: lindo y reconfortante primero, provocativo y místico después.
"The Gay 90s: West" incluye nuevos cuadros, escultura y una instalación que incluirá su obra más grande y ambiciosa hasta la fecha: The Parlor (Alegoría de la magia, la quintaesencia y el misterio divino) , una pintura de 96 x 120 pulgadas con un marco de madera tallado a mano en bajorrelieve. También se exhibirán obras más antiguas como Encarnación , 2009 (que precedió al vestido de carne de 2010 de Lady Gaga en los MTV Video Music Awards).
DINA GACHMAN: ¿Recuerdas la primera obra de arte que creaste?
MARK RYDEN: No recuerdo específicamente la primera obra de arte que creé, pero recuerdo muchas de las primeras cosas que hice cuando era niño. Me gustaba mucho pintar desde muy temprano, incluso más que dibujar. Utilizaba pintura de carteles en cartulina. Copiaba imágenes que me gustaban de revistas y libros y las combinaba, haciendo una pintura de "collage". En cierto modo, esto es similar a cómo trabajo ahora.
GACHMAN: ¿Qué te impulsa a hacer arte y cuáles fueron las principales inspiraciones para este nuevo trabajo?
RYDEN: La inspiración es lo más valioso para un artista; No puedo avanzar si no siento una fuerte chispa de emoción o creatividad. A veces es difícil. Es importante estar en un estado mental de paz; luego invito a los espíritus a entrar en el estudio. No me quedo mirando un lienzo o papel en blanco. Reviso mis diferentes colecciones de libros, juguetes, estatuas, fotografías y otras cosas, y algo desencadenará una idea. Mi estudio está repleto de cosas que me inspiran. Por ejemplo, el cuadro The Parlor se inspiró en un viejo anuncio de calzado de la época victoriana.
En esta nueva exposición, comencé con esa misma motivación inicial pero luego el trabajo evolucionó.
GACHMAN: ¿Te inspiraste en nuevas fuentes?
RYDEN: Comencé a pensar más sobre cómo la nostalgia y el sentimentalismo se relacionan con la idea de la memoria y cómo existen nuestras conciencias en cualquier lugar y momento en particular. Me fascinó mucho una idea de Eckhart Tolle, quien dice que nada ha sucedido en el pasado; sucedió en el "ahora". Nada pasará en el futuro; Ocurrirá en el "ahora". El momento presente es todo lo que tendremos. Sólo las formas cambian. Alguien que vive en la actual década de 1890 tendría los mismos sentimientos de lo moderno y lo anticuado que tenemos ahora y que la gente tendrá dentro de 100 años. Las formas cambian pero los sentimientos son los mismos. Me gustó cómo Woody Allen en medianoche en París exploró esta misma idea.
GACHMAN: El salón es tu pieza más grande hasta la fecha. ¿Qué dicta el tamaño de una pieza? ¿Cómo influye el trabajo en el espacio real que estás utilizando y viceversa?
RYDEN: Cada pintura parece querer un tamaño específico. Incluso empecé una o dos pinturas porque no me gustaba la sensación de la imagen en particular en un tamaño determinado. El salón necesitaba ser grande porque quería que se sintiera como una habitación de tamaño completo en la que pudieras entrar. Desafortunadamente para mí, pinto de la misma manera en un lienzo de ocho pies que en una miniatura de cinco pulgadas. Todavía utilizo pinceles muy pequeños. Me tomó casi un año pintar The Parlor .
GACHMAN: También estás haciendo una instalación específica del sitio en la galería. ¿Puedes hablar de eso?
RYDEN: Una de las piezas principales de este espectáculo es un gran diorama autómata, llamado Memory Lane. Es una estructura similar a un carro de circo. En él, una bulliciosa escena de la calle de la ciudad en combinación con objetos alternativos (juguetes y muñecas), otros esculpidos y también elementos pintados. De manera general, combina todos los temas e ideas con los que he estado trabajando. Fue un proyecto minucioso que debería crear un equipo de personas, pero prefiero trabajar solo, y así, con la excepción de parte de la carpintería y del trabajo mecánico, yo mismo hice todo meticulosamente.
GACHMAN: Usted ha dicho que "el mundo sería un lugar mucho mejor si se centrara en una perspectiva femenina". ¿De dónde viene esa ideología, crees?
RYDEN: Al observar lo que ha sucedido en la civilización occidental, se puede ver que el patriarcado ha sido la causa de muchas luchas y sufrimientos en nuestro mundo. Es la dinámica masculina la que ha hecho que nuestra sociedad coloque el dinero y las ganancias corporativas por encima de los seres humanos. Ha permitido que la Tierra sea vista solo como una mercancía para ser explotada. La perspectiva femenina ve las cosas de manera diferente. Considera la tierra y todos sus habitantes como entidades venerados y cuidados. Los seres humanos son individuales y más importantes que la consideración que da el implacable capitalismo y la competencia. Es mi esperanza, tal vez expresada indirectamente en mi trabajo, que la divina feminidad esté despertando.
GACHMAN: Queen Bee es tan sorprendente, y me recuerda a uno de mis cuadros favoritos tuyos,El Debutante . Ambas figuras son como muñecas, pero al mismo tiempo tan poderosas. Estás influenciado por el trabajo de Ingres, así que, ¿qué es lo que te atrae de sus retratos? ¿Qué obtienes de sus pinturas, como artista y como observador?
RYDEN: Hay una sutileza de expresión que da vida a los retratos de Ingres. Las figuras representadas parecen tener un alma que trasciende la pintura física en el lienzo. Para mí, ese es un objetivo valioso: hacer que el arte de uno cobre vida.
GACHMAN: Me encantaría saber sobre su práctica diaria y sobre cómo ha cambiado y evolucionado con los años. ¿Todavía pintas a veces con una lupa? ¿Hay alguna otra herramienta o técnica que hayas incorporado en tu trabajo?
RYDEN: Mi técnica de pintura no ha cambiado mucho con el tiempo, aunque tal vez pinto con más firmeza y con más detalle, a pesar del deseo de aflojar y pintar de manera más expresiva. Una cosa que ha cambiado es mi rutina diaria. Solía pintar bastante tarde en la noche. Fue una época en que sentía los espíritus creativos más activos. Como he envejecido, mi ritmo circadiano ha cambiado. Me gusta pintar temprano en el día cuando puedo evitar el mundo del correo electrónico que extrae las almas. En el Amanecer se siente muy similar a la noche.
GACHMAN: El aspecto nostálgico de tu trabajo se ha discutido a menudo, y puedes verlo en "The Gay 90s: West". Algunas personas parecen pensar que la nostalgia es algo malo, demasiado sentimental, como dijiste, pero creo que hay algo muy reconfortante. Dentro de cien años, ¿qué artefactos o piezas de ropa u objetos crees que las personas sostendrán como un significante de nuestro tiempo? ¿Qué objetos pintarías dentro de un siglo?
RYDEN: A menudo miro a mi alrededor y pienso en este lugar específico en el tiempo, y qué cosas perdurarán y se convertirán en objetos de nostalgia para el futuro. ¿Pokémon? ¿Figuras de vinilo urbano? Superhéroes? Vampiros? iPhones? Serán las cosas que resuenen con la conciencia colectiva de este tiempo actual.
LIBRO DE FIRMAS
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SIMBOLOGÍA DE
SU OBRA
Según Jorge macchi
Publicado en
Temporada de relámpagos. Arte y Cultura
Mark Ryden es uno de los artistas de la última generación que ha logrado traspasar los límites del campo artístico. Sus cuadros inmensamente atractivos se prestan para merchandising de todo tipo, remeras, reproducciones, etc. Su iconografía mezcla la supuesta ingenuidad de niñas pálidas que miran al espectador con ojos enormes y miradas suplicantes, con detalles netamente siniestros como miembros amputados, heridas chorreantes de sangres, animalitos que bajo una apariencia de bondad son capaces de actuar de forma despiadada. La tribus urbanas dark y gótica han encontrado en sus imágenes a un referente visual de peso.
Sin embargo no debemos confiarnos de una imagen que simula ser fácilmente digerible. En algunas de sus pinturas las capas de símbolos se superponen en una cantidad que parece infinita. Uno de sus trabajos más interesantes es “The Creatrix” (2005), cuyos 2,30m de altura se encuentran atravesados por una figura femenina coronada que domina la imagen. Esta mujer, “la creadora”, se asemeja a una encarnación de la Madre Naturaleza que dio lugar a todo organismo viviente que habita la Tierra. Posee un pequeñísimo bebe en sus brazos, a la usanza de la iconografía religiosa que retrata a la Virgen María con el Niño.
Con una disposición, una estructura y una paleta netamente renacentista, el fondo se compone de un paisaje riquísimo en imágenes. Hacia la izquierda del cuerpo femenino y representando el pasado, figuran los primeros momentos del desarrollo biológico del planeta. Los islotes y los cursos de agua que los rodean se encuentran habitados por dinosaurios. El reino de los reptiles se halla aun en su esplendor.
En el sector derecho de la obra, los dinosaurios ya han desaparecido, dejando lugar a un nuevo estadio evolutivo de las especies. Las aves y los mamíferos han hecho su aparición en sus variantes más primitivas y actualmente inexistentes, como los mamuts o los tigres dientes de sable. Hasta la vegetación ha cambiado radicalmente para mostrarse más abundante y con un grado de intensidad mucho mayor.
Como para recordar que todo cambia y todo muere, que ninguna especie tiene su lugar comprado en estas tierras y en cualquier instante puede desaparecer, unvanitas se sitúa en el extremo inferior izquierdo del cuadro. Un panal de abejas cumple la función de reloj, para mostrarnos que el tiempo es limitado y que las bellas rosas que florecen a su alrededor pronto han de marchitarse y morir, precepto con el que coincide el negro esqueleto que preside esta subescena.
El vestido acampanado de la Creadora es uno de los motivos más ricos de la obra y se encuentra abierto desde la cintura para abajo, dejando entrever en su interior, no un cuerpo humano, sino un espacio protoplasmático plagado de organismos. Flotan allí aquellos que fueron los primeros seres vivos: seres invertebrados, algas marinas, crustáceos, gasterópodos, peces y moluscos varios.
La figura que descoloca por completo al espectador dentro de ese mundo acuático es la de un Papa Noel, que con su clásica indumentaria roja y blanca posee en este caso cuatro brazos en cuyas manos sostiene elementos diversos. En una de ellas alza un tridente, que junto con la corona dorada que se posa sobre su cabeza y su abundante barba, lo asemejan a una especie de Poseidón. El tridente se constituye desde la antigüedad como la representación del conocimiento y la sabiduría; el primero puede utilizarse tanto con fines nobles como para otros malvados y es la segunda, la sabiduría, la que permite discernir el camino a tomar. En otra de sus manos lleva un filet de carne, comida producto de la cadena alimenticia. Una tercera, carga con la pequeña figura de un músico tocando el violín, una representación de las artes, un tipo diferente de creación. En su cuarta mano sostiene un dodecaedro, un poliedro de 12 caras (uno de los sólidos platónicos) en el cual aparecen símbolos que remiten a ecuaciones matemáticas.
El cinturón de Papá Noel está adornado con una serie de números: 3,14159… : Pi, (π). Este número irracional indica la relación entre la longitud de una circunferencia y su diámetro. Indagar el valor exacto del número Pi y alcanzar el mayor número de decimales ha sido una preocupación compartida por todas las culturas a lo largo de la historia, siendo utilizado en ecuaciones que describen los principios fundamentales del Universo.
El brocado dorado que delimita los bordes del vestido está cubierto de joyas que son en realidad insectos de todo tipo, escarabajos, abejas, cucarachas; invertebrados ancestrales que gracias a un importantísimo grado de adaptabilidad al medio han sobrevivido hasta el día de hoy.
La tela de la indumentaria, de una firmeza tal que asemeja una armadura, tiene como motivo decorativo las cadenas espiraladas que conforman el ADN, el ácido que contiene la información genética del todo ser vivo.
También en ese mismo borde del vestido, rozando el piso, está inscripta la frase en latín “creatio ex nihil”. En el discurso teológico, esa expresión se utiliza para referirse a aquello que ha sido creado a partir de la nada. San Agustín desarrolló su teoría según la cual Dios crea el mundo a partir de la nada, ya que antes de la creación no existía ni el tiempo ni la materia, que surgen simultáneamente. Por lo tanto, desde ese momento los seres vivos, imperfectos, se encuentran sujetos a los cambios que el tiempo impone.
De su pecho, a la altura del escote, penden diversas efigies y figuras. Un broche ostenta el retrato del presidente norteamericano Abraham Lincoln, uno de los personajes fetiches y predilectos de Ryden, presente en innumerables pinturas de su autoría. En el resto de los broches se encuentran representados los símbolos que reflejan a una amplia mayoría de culturas y religiones tanto de Oriente como de Occidente. Entre estos están el rostro de Cristo, la estrella de David, la cruz Anks de los egipcios; la media luna y la estrella, consideradas símbolos islámicos; el Om, signo sagrado del hinduismo y el budismo a través del cual Shiva crea y destruye el universo, origen y principio de todos los sonidos y palabras.
La corona que la reina porta en su cabeza lleva grabados en oro los 12 signos del zodíaco, determinados por la posición de los astros y determinantes a su vez de las eras sucesivas que miden míticamente el tiempo celestial y terrestre. El centro se ubica en Tauro. Para los egipcios y otras culturas que los antecedieron, cada 2150 años el equinoccio de la primavera se sucede en un signo diferente del zodíaco, cambio vinculado con el movimiento de la Tierra sobre su eje. Cada uno de estos períodos es considerado como una era, y a este movimiento astrológico se lo denomina “precesión de equinoccio”, ya que las constelaciones van hacia atrás. La era de Tauro se sucedió entre 4300 Y 2150 AC., y finalizó con la aparición de Moisés, quien al bajar con sus tablas grabadas del monte Sinaí, da origen al espacio temporal que prevalece en el Antiguo Testamento. Su presencia marcaría el inicio de la era del Carnero, que a su vez finalizaría con el nacimiento de Cristo en la era de Piscis, dando lugar al año 0 de nuestro contador.
Todos los reinos animales y vegetales tienen su lugar reservado en el cuadro. El género humano aparece representado en un neonato, pequeñísimo bebe en los brazos de una madre, que en su tamaño y poderío todo lo abarca.
La línea temporal que traza la obra culmina con una alusión al futuro, cuando en el extremo inferior derecho vemos sobre los mosaicos cuadriculados un pequeño muñeco de rasgos humanos vestido de astronauta, en alusión a que una de las especies que habita este planeta ya no se conforma con él, sino que busca expandirse por fuera de su órbita. No casualmente el muñeco está sentado prácticamente apoyándose sobre el volado del vestido de esta Madre Naturaleza, en el que aparecen los símbolos utilizados desde la antigüedad para la representación de los planetas.
Esta es apenas una ínfima parte de la riqueza iconográfica que se hace presente en esta obra, que nos invita a demorarnos durante horas para descifrarla en su completitud, ante la complejidad y belleza de las imágenes que la componen y que la convierten probablemente en una de las pinturas más inspiradoras con las que me topé en mucho tiempo.
